Au(x) cinéma(s) du 10 au 16 avril 2019

 

Bonjour à tous !
 
Nous sommes en pleine vacances de printemps, donc d'une part, pas de film en ciné-club au CGR, et d'autre part, pas de mail Entretoiles la semaine prochaine : nous nous retrouverons le 24 avril. !
 
Tout d'abord un aperçu des soirées organisées  par  Entretoiles après les vacances scolaires. Dimanche 28  avril vous pourrez voir le film irlandais  Rosie Davis, soutenu par l'association Habitat et humanisme, avec une présentation de cette association et de  sa réalisation sur Draguignan et la semaine suivante le dimanche 5 mai nous vous proposerons une soirée à thème  : Adolescence et reconnaissance avec 2 films: Les Moissonneurs et Sibel et bien sûr  un apéritif entre les deux.
Les prochains films de ciné club à partir du 24 avril seront La Favorite, Jusqu'à la garde, Vice ,Grâce à Dieu , Ma vie avec John F. Donovan, Marie Stuart et Nos vies formidables.
 
Cette semaine, dans le programme ordinaire de  CGR et à Lorgues, Rebelles de Allan Mauduit, un film jubilatoire, irrévérencieux, dans l'esprit Groland, enlevé par un trio féminin épatant, Celle que vous croyez de Safy Nebbou, un thriller psychologique qui nous aspire, à Lorgues, ainsi que Sunset de Lazlo Nemes, la recherche de la vérité dans le Budapest du début du XXème siècle.
A Salernes et au Vox, Green book de Peter Farrelly, une grande comédie humaniste et politique, servie par deux comédiens absolument parfaits dans leurs rôles. A Salernes, toujours, le dernier film de Xavier Dolan Ma Vie avec  John F. Donavan un récit fascinant, d'un romantisme échevelé et à l'émotion contagieuse et Marie Stuart, reine d’Écosse de Josie Rourke, conçu comme un film à suspens, magnifique reconstitution historique. A Cotignac, C'est ça l'amour de Claire Burger où Bouli Lanners campe parfaitement un père déboussolé avec ses 2 filles, alors que la mère a quitté le toit familial.
Au Vox, à Fréjus, Le vent de la liberté de Michael Bully Herbig, une palpitante course contre la montre, quand le roman d'aventure rejoint la grande Histoire, La lutte des classes, de Michel Leclerc qui raconte avec humour et de façon caricaturale les problématiques rencontrées par des parents de banlieue parisienne, Blanche comme neige de Anne Fontaine, un récit qui déborde d'humour et d'esprit, résolument et joyeusement féministe, Tel Aviv on fire, de Sameh Zoabi, une comédie alerte qui nous livre une vision on ne peut plus pertinente des relations entre Israéliens et Palestiniens, Les oiseaux de passage de Ciro Guerra, une magnifique intrigue romanesque et enfin  Un coup de maître, de Gaston Duprat une fable irrésistible et un constat lucide sur les dérives de l'art contemporain par le réalisateur de "Citoyen d'honneur". 

 

 Bonne semaine de cinéma ! allez au cinéma !
 
Nous vous rappelons que les adhérents Entretoiles bénéficient  du tarif réduit à 4€90 au CGR  pour les films ciné clubs et les films Entetoiles et à 6 € au Vox de Fréjus pour tous les films sur présentation de leur carte. (Le parking est gratuit après 18h au Vox).
Et comme toujours, on vous le redit : transférez, adhérez, renouvelez (bulletin ci-dessous), demandez à recevoir cette lettre si vous ne l'avez pas directement dans votre boîte (si vous avez demandé à la recevoir et que vous ne la recevez pas, c'est que votre adresse n'était pas assez lisible : redemandez !) (à entretoiles83@laposte.net, et même si vous n'adhérez pas!). Vous pouvez aussi consulter le site d'Entretoiles : entretoiles.e-monsite.com

REBELLES

Écrit et réalisé par Allan MAUDUIT - France 2018 1h45 - avec Cécile de France, Yolande Moreau, Audrey Lamy, Simon Abkarian... Scénario de Jérémie Guez et Allan Mauduit.

REBELLESSi vous n’aimez que les choses délicates, les œuvres raffinées, le bon goût, les bons mots… Si vous avez frémi au phrasé exquis et subtil de Cécile de France dans Mademoiselle de Joncquières et si la soie, le velours, le satin apportent à votre quotidien toute la douceur et la délicatesse dont vous avez besoin pour vous épanouir… et bien, n’achetez pas de place pour venir voir Rebelles. Vous risqueriez d’être furieusement en colère contre nous (dans le meilleur des cas), voire de subir un choc cinématographique aigu, et chacun sait qu’un CCA peut être au moins aussi grave qu’un anaphylactique. Car de dentelles, de rubans fleuris, d’alexandrins, dans ce film, il n’y en a point. Alors quoi ? On a retourné notre veste en tweed à Utopia ? On aime le gros rouge qui tache quand vous aviez toujours cru que nous ne jurions que par les vins bio naturels sans sulfites ni phosphates, élevés en cuve centenaire au clair de (pleine) lune ? Non, pas du tout. 

On a beau aimer le cinéma haut perché, défendre les auteurs et les œuvres complexes, nous avons toujours été assez friands (peut-être pas la majorité de nos troupes, mais quand même) de ce cinéma irrévérencieux et mal poli qui flirte parfois avec le mauvais goût mais parvient à nous rendre sympathiques les pires sans foi ni loi, parce qu’ils sont toujours du côté des oubliés, des petites gens, des besogneux, et que leurs aventures, même répréhensibles, ont toujours le goût de la revanche sur les injustices de la vie, ses dominations, qu’elles soient sociales ou de genre.
Nous sommes avec Rebelles bien plus dans un esprit Groland, ou celui des premiers films d’Albert Dupontel que du côté de Ken Loach et ça décoiffe sévère, à grands coups de truelle. C’est assez jubilatoire, souvent très drôle, et c’est enlevé par un trio féminin pétaradant qui vaut à lui seul le détour et fonctionne à plein régime, façon feu d’artifice. Alors oui, bien sûr, ça tache un peu, et non, ce n’est pas la grande classe, mais si vous acceptez de mettre votre bon goût légendaire (vous venez chez nous quand même et ça, c’est un signe qui ne trompe pas) de côté, l’effet poilade est garanti. 
Quand elle débarque du Sud de la France, sa valise en carton au bout de ses ongles impeccablement manucurés, en faisant la tronche parce qu’obligée de retourner vivre chez maman dans ses Hauts de France natals, Sandra ne se doute pas encore qu’elle va bientôt devenir riche, très riche. Elle ne connaît pas non plus celles qui deviendront ses deux complices à la vie, à la mort : Nadine, flegmatique ouvrière qui entretient un mari paresseux mais qui cache sous son tablier le costume d’une Bonnie Parker, et Marilyn, mère célibataire punk et survoltée, prête à dézinguer la terre entière pour une bonne cuite. Il sera question de boîtes de conserves, en très grande quantité, de la bande des Belges avec lesquels il vaut mieux ne pas trop faire les marioles, et d’un sac bourré de biftons, « le début des emmerdes », comme dirait Nadine, clown blanc de la bande, la plus ancrée dans le réel, la plus lucide.

Allan Mauduit filme la conserverie de poisson, les docks de Boulogne-sur-Mer ou le camping en hiver comme s’il s’agissait d’un décor de western, sans méchanceté gratuite, avec un sens du comique de situation explosif, et il nous rend ses trois héroïnes, quoi qu’immorales, cogneuses, hargneuses… très attachantes car symboles d’un Girl Power décoiffant. Plus jamais vous ne regarderez une boîte de thon du même œil, ni une porte de vestiaire… on en recause.(Utopia)

CGR : tous les jours à 11h10

Lorgues : mercredi 10 18h, dimanche 14 21h, lundi 15 17h

 

CELLE QUE VOUS CROYEZ

Safy NEBBOU - France 2018 1h41mn - avec Juliette Binoche, François Civil, Nicole Garcia, Guillaume Gouix, Charles Berling, Marie-Ange Casta... Scénario de Safy Nebbou et Julie Peyr, d’après le roman de Camille Laurens.

CELLE QUE VOUS CROYEZElles en ont fait, du chemin, les nanas, depuis les soutifs brûlés… Conquérir des postes de pouvoir, refuser la domination masculine, choisir d’avoir (ou pas) des enfants, les faire seules et tenter d’être avec talent sur tous les fronts : au boulot, au lit, à la sortie de l’école, devant les fourneaux, et dans les dîners mondains. Elles se sont libérées, sans doute, et c’est tant mieux. Pourtant une autre forme d’aliénation s’est insidieusement glissée dans les cerveaux, sournoise, pernicieuse, d’autant plus difficile à combattre qu’elle est le fruit d’une injonction intime, nourrie par l’air du temps, distillée par les revues, la mode, sur un ton souvent enjôleur comme si tout cela n’était pas si grave. Il faut être désirable, en forme et garder les siennes bien fermes, être comme si le temps n’avait pas de prise, ni les grossesses, ni la fatigue, ni les coups durs de l’existence.

Claire tente de composer avec tout ça et ne s’en sort finalement pas si mal. Larguée par l’homme de sa vie, elle vit seule depuis maintenant suffisamment longtemps pour supporter la déception d’avoir été trahie et jongle entre son boulot de maître de conférence, sa vie de mère et une relation exclusivement sensuelle avec un homme bien plus jeune qu’elle. Elle a beau se dire intérieurement qu’elle pourrait être sa mère, qu’elle n’a plus forcément tous les atouts pour garder contre son corps de femme de cinquante ans ce beau gosse musclé et plein de fougue, elle fait comme si le temps pouvait suspendre son vol, ne gardant que le meilleur sans les remords. 
Mais jeunesse se lasse… et Claire se retrouve sur la touche, non pas bannie, mais simplement écartée, comme un beau joujou auquel l’enfant aurait fini de s’intéresser, parce que la vitrine propose bien d’autres choses plus alléchantes.
Comme Claire vit avec son temps et qu’elle n’est pas la dernière des cruches pour surfer dans ce vaste monde parallèle que sont les réseaux sociaux, elle va s’inventer un double pour espionner son amant négligent par l’intermédiaire de son meilleur pote, photographe de son état. 
Elle va devenir Clara, jeune, forcément très jolie et pas conne.
Devenir autre est d’une facilité déconcertante et la proie va mordre à l’hameçon… tellement bien qu’une relation virtuelle entre les deux (presque) jeunes gens va s’installer. Prise à son propre jeu, Claire va jouir de ce nouveau statut, grisée par le mirage d’être redevenue jeune, désirable, attirante, fusse au prix du mensonge, de la manipulation et des faux semblants.
Tout cela va mal se terminer, bien sûr, car on ne peut pas être celle que vous croyez sans se perdre dans les jeux de miroirs, sans troubler les eaux de sa propre identité pour finalement se noyer dans un océan virtuel qui cache sous ses allures de carte postale idyllique les méandres d’un gouffre digne du triangle des Bermudes.

De forme initialement assez classique, le film n’est pas tout à fait non plus celui que l’on croit, plus malin, plus retors et plus complexe qui n’y paraît de prime abord. Banal portrait d’une femme mûre comme on dit pudiquement (sauf que bon, quand même, c’est Juliette Binoche et elle est canon), le récit se mue doucement en thriller au cœur duquel le spectateur lui-même va être aspiré, sans trop savoir finalement de quelle réalité il est ici question. Celle de Claire maître de conférence qui veut être aimée pour ce qu’elle est ? Celle de Claire racontant son histoire machiavélique dans le bureau d’une psychiatre (Nicole Garcia, impec) ou celle de Claire qui écrit son histoire pour exorciser ses démons ? (Utopia)

Lorgues : mercredi 10 20h, lundi 15 19h

 

SUNSET

Laszlo NEMES - Hongrie 2018 2h21 VOSTF - avec Juli Jakab, Vlad Ivanov, Evelin Dobos, Marcin Czarnik... Scénario de Lazlo Nemes, Clara Royer et Matthieu Taponier.

SUNSETEn 2015, Le Fils de Saul, premier film du jeune László Nemes, entraînait les spectateurs dans un voyage éprouvant et mémorable, suivant, à l’aide de longs plans-séquences, le parcours d’un prisonnier du camp de concentration d’Auschwitz, des dortoirs crasseux jusqu’aux tranchées servant de charniers. Accueil triomphal à Cannes, Grand Prix du jury conforté quelques mois plus tard par l'Oscar du Meilleur film étranger. De quoi permettre au cinéaste hongrois de se lancer sans difficulté dans un nouveau projet, mais aussi de lui coller une pression phénoménale sur les épaules, car ce second film était forcément attendu au tournant.
Pour Sunset, il opte à peu près pour le même procédé, suivant le personnage principal dans une ville de Budapest labyrinthique, en 1913. Cette fois, il ne filme pas un univers de souffrance et de mort, mais un monde en pleine déliquescence, une société agonisante, brûlant ses derniers feux avant le chaos.
La caméra ne quitte pratiquement pas Irisz Leiter (lumineuse et grave Juli Jakab), qui revient à Budapest après plusieurs années passées hors du pays. Enfant, elle avait été envoyée suivre une formation de modiste. Aujourd’hui adulte, elle souhaite se faire engager dans le magasin de chapeaux que ses parents avaient fondé, et qui a été repris, après leur mort tragique, par leur employé, Oszkar Brill. Mais celui-ci, non seulement refuse de l’engager, mais lui fait comprendre qu’elle n’est pas la bienvenue dans cette ville.
Le même soir, la jeune femme est rudoyée par un homme à la recherche d’un certain Kalman Leiter, qui pourrait être son frère. Intriguée, elle décide de rester à Budapest et de partir elle aussi à sa recherche. Elle découvre rapidement que Kalman est recherché pour le meurtre d’un notable, et considéré comme l’un des chefs de file des anarchistes. Pour le retrouver, elle va devoir s’aventurer dans les bas-fonds de la ville…

Laszlo Nemes veut montrer toutes les facettes de cette ville tumultueuse, qui constitue, au début du xxe siècle, l’un des lieux les plus importants d’Europe. En 1913, l’Empire Austro-Hongrois est en effet à son apogée. Il règne sur une douzaine de pays, rassemblant différents peuples, différentes cultures et les partisans de tous les grands mouvements politiques, de l’extrême-droite à l’extrême gauche, qui vont marquer le vingtième siècle. Cette diversité se retrouve à Budapest, mais reléguée dans la marge, sous le regard méprisant des notables locaux et l’indifférence de l’empereur, qui vit coupé du peuple dans son palais viennois.
La mise en scène montre bien le clivage de cette ville, faisant cohabiter la grande bourgeoisie – la clientèle du magasin Leiter – et les groupuscules révolutionnaires, cachés dans les bas-fonds.

Irisz est le trait d’union entre les deux mondes. Mais elle est aussi complètement étrangère à cette société, à cette ville qu’elle a quitté alors qu’elle n’avait que deux ans. Elle les découvre en même temps que le spectateur, qui voit à travers son regard. Elle est à la fois fascinée par cet environnement bouillonnant et perplexe face aux mystères qui entourent la ville. Partout règne une atmosphère de conspiration, de lourds secrets, plus Irisz s’approche de ce qu’elle pense être la vérité, plus le mystère s’épaissit. Et quand elle comprend finalement les conséquences de cette agitation politique, dans les tranchées entre la France et l’Allemagne, il est déjà trop tard.
La mise en scène de László Nemes, remarquable, accompagne cette prise de conscience progressive, passant de mouvements de caméra élégants, réglés comme des valses viennoises, « nobles » d’un point de vue purement artistique, à des prises de vue plus brutes, plus brusques, évoquant autant le chaos social et politique que le trouble qui gagne peu à peu Irisz, à mesure qu’elle réalise la décadence de l’Empire et la perversité des notables du pays…(anglesdevues.com)

Lorgues : samedi 13 20h, lundi 15 21h

 

GREEN BOOK

Peter FARRELLY - USA 2018 2h10mn VOSTF - avec Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Sebastian Maniscalco... Scénario de Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie et Peter Farrelly.

GREEN BOOKUn mot d'abord sur le « Green book » du titre. C'était en fait une sorte de guide touristique, dont le titre complet était : « The Negro Motorist Green Book ». Un guide destiné aux voyageurs afro-américains, dans lequel ils pouvaient trouver les hôtels et les restaurants qui acceptaient de les accueillir, les hôtels et les restaurants qui ne leur fermeraient pas la porte au nez à la seule vue de leur couleur de peau, les hôtels et les restaurants dans lesquels ils ne seraient pas maltraités, molestés, humiliés. Ce n'était pas à l'époque de Cro-magnon, c'était au début des années soixante dans ce grand pays phare du monde libre qu'étaient les Etats Unis d'Amérique. On a beau savoir beaucoup de choses de la discrimination raciale et de ses manifestations, c'est encore le genre de détails qui tue : The Negro Motorist Green Book !!!

Inspiré d'une histoire vraie (ce qui lui donne, il faut bien le reconnaître, une résonance toute particulière), Green book est basé sur le ressort classique du duo composé de deux individus que tout oppose. Don Shirley est un célèbre pianiste, coqueluche des milieux musicaux des grandes villes du Nord des USA, cultivé, distingué, la réussite et la classe faites homme. Et accessoirement il est noir. Tony « Lip » Vallelonga est un Italien du Bronx travaillant comme « maître d'hôtel », autrement dit comme videur, comme gros bras, dans un club en vogue de New York. Il est plutôt rustre pour ne pas dire bourrin, passablement grossier, et accessoirement enclin au racisme le plus basique. Les clichés habituels sont donc ici inversés : c'est le Noir qui est le représentant de la bonne société, c'est le Blanc qui personnifie l'Amérique d'en bas.
Lorsque Don Shirley entame une tournée dans le Sud des États-Unis, il sait parfaitement qu'il n'est pas préparé à affronter les préjugés et l'hostilité d'une région où le racisme anti-Noirs se porte naturellement comme l'étendard d'une fierté culturelle intangible. Il engage donc Tony Villalonga comme chauffeur – garde du corps, comptant sur son aplomb, son flegme et son physique d'armoire à glace pour aplanir les difficultés de son périple pianistique. Dont les étapes seront organisées grâce au fameux Green Book…

Comme dans tous les films reposant sur un duo a priori mal assorti, pas de surprise, les deux finiront par faire la paire. Mais en même temps, comme dans tout road-movie, c’est moins l’arrivée que le chemin qui compte. Et celui-ci est grandiose. Tant dans l’écriture (pluie de dialogues qui font mouche, gags à double ou triple détente) que dans la mise en scène (d’une élégance et d’une précision dix coudées au dessus du tout-venant télévisuel dans lequel se complait trop souvent la comédie américaine), tant dans le jeu des acteurs (Viggo Mortensen, hilarant en ragazzo scorsesien ; Mahershala Ali, délicieusement distingué, aux antipodes de son rôle dans Moonlight) que dans le propos. C’est une partition virtuose qui se joue là, digne des meilleurs John Landis ou même, pourquoi pas, Frank Capra. Peu de films récents ont abordé avec une telle finesse les liens entre race et classe aux Etats-Unis, balayant les systèmes d’identification faciles et factices, tout en préservant une véritable complexité à chaque personnage. Bref, une grande comédie humaniste et politique.(merci à J. Goldberg, Les Inrockuptibles)

Salernes : jeudi 11 20h30 en vo

Vox Fréjus : en vf samedi 13 et mardi 16 16h10 et dimanche 14 18h30

 

MA VIE AVEC JOHN F. DONOVAN

(The Death and life of John F. Donovan) Xavier DOLAN - Canada 2018 2h03 VOSTF - avec Kit Harington, Natalie Portman, Jacob Tremblay, Susan Sarandon, Kathy Bates, Thandie Newton, Chris Zylka... Scénario de Xavier Dolan et Jacob Tiernay.
 
 
À chacun ses idoles d’enfance et d’adolescence, qui prennent une importance démesurée, au-delà du raisonnable – le cœur… vous connaissez le refrain. Moi, à 11 ans, je suis tombé raide amoureux de la gymnaste roumaine Nadia Comaneci en la voyant rafler le premier 10 de l’histoire olympique à Montréal. Tenant absolument à lui écrire, dans un anglais balbutiant, mon admiration, je lui fis passer une lettre qui, j’en étais persuadé, arriverait à sa destinataire grâce à mon père, responsable communiste. Étrangement, elle ne me répondit jamais…

Petite parenthèse perso pour vous parler du nouveau bijou du prodige Xavier Dolan, son premier film anglophone. En deux parties séparées d’une dizaine d’années, Dolan nous raconte l’histoire – qui aurait pu être autobiographique – du jeune Rupert Turner, 11 ans et vivant à Londres au début de l’intrigue, qui entretient pendant plusieurs années une correspondance amicale avec l’acteur de séries américain John F. Donovan, jusqu’à sa mort mystérieuse. Dans le présent du film, dix ans plus tard donc, Rupert, devenu à son tour acteur, répond à une journaliste à l’occasion de la publication de sa correspondance avec John F. Donovan. Et nous découvrons son histoire au cours de flash-back successifs…
Rupert, alors enfant acteur, est déjà venu à New York avec sa mère. Dans l’hôtel où ils sont descendus, il attend avec une impatience insoutenable une lettre, un signe de son ami et idole John F. Donovan, qu’il va peut-être enfin rencontrer. C’est alors qu’il apprend à la télévision la découverte du corps sans vie de l’acteur et cette nouvelle lui brise le cœur. La suite du film, à travers le récit de Rupert adulte, revient sur ces deux vies parallèles séparées par l’Atlantique. Si le film est aussi bouleversant, c’est que la personnalité du jeune réalisateur québécois se retrouve tout autant dans le personnage de Rupert que dans celui de John F. Donovan. Dolan fut comme Rupert un enfant acteur (il joua dans des publicités puis dans des séries), probablement incompris de ses camarades, déjà moqué pour son univers imaginaire et son attirance naissante pour les garçons. Parallèlement le destin de John F. Donovan, héros de série adulé des jeunes fans et du petit milieu de Hollywood, obligé de simuler sa vie au point d’épouser pour de faux sa meilleure amie afin de dissimuler ses passions homosexuelles, mentant à ses fans, à sa propre famille et à lui-même, est celui qu’aurait pu connaître Dolan s’il n’avait pas choisi d’assumer son statut si particulier et sa singularité.

Pour construire et incarner ce récit fascinant, d’un romantisme échevelé, à l’émotion contagieuse, Dolan a réuni un casting hors normes, en premier lieu Kit Harrington, le John Snow adoré des fans de la série Game of Thrones, parfait collage en acteur de séries tourmenté, miné par l’obligation qui lui est faite de correspondre à son image publique. À ses côtés, Natalie Portman est magnifique dans le rôle de la mère de Rupert, actrice frustrée qui reporte sur son fils ses aspirations : Dolan, roi du mélo, lui offre une grandiose scène de retrouvailles sur la chanson Stand by Me ; et puis Kathy Bates, géniale en agent de stars à la fois cynique et attachante, Susan Sarandon en mère mûre colérique et alcoolique, personnage typiquement dolanien, et enfin le jeune Jacob Tremblay, étonnamment sobre et pourtant expressif.
Plus « classique », plus économe que les précédents films de Dolan en prouesses de mises en scène pour mieux se concentrer sur le récit, Ma vie avec John F. Donovan ajoute une pierre, plus polie, aux arêtes moins vives, à une œuvre en construction, profondément personnelle et touchante.  (Utopia)
Salernes : vendredi 12 et mardi 16 18h, samedi 13 et lundi 15 20h30

 

MARIE STUART, REINE D'ÉCOSSE

(Mary queen of Scots) Josie ROURKE - GB/USA 2018 2h05 VOSTF - avec Saoirse Ronan, Margot Robbie, Jack Lowden, Jœ Alwyn, David Tennant, Guy Pearce... Scénario de Beau Willimon et Alexandra Byrne, d'après le livre de John Guy.

MARIE STUART, REINE D'ÉCOSSEProduction somptueuse, impressionnantes vues aériennes de sites naturels d’Écosse, magnifiques costumes… Marie Stuart, reine d'Écosse est un film d’époque qui charme d'abord par la splendeur de ses images, le faste de la reconstitution historique. Mais le retour au xvie siècle proposé par la réalisatrice Josie Rourke est également très intéressant sur le fond.

Le récit débute en 1561, alors que Marie Stuart (Saoirse Ronan), reine d’Écosse, rentre d’exil après douze ans en France – où elle a épousé en 1558 le roi François II, mort prématurément deux ans plus tard. S’ensuit une bataille épique, non pas sur les champs de bataille, mais au sein même de la cour. La monarque, qui n’a pas vingt ans, ne fait pas l’unanimité.
Il faut dire que l’Écosse est tiraillée entre catholiques et protestants, que son indépendance est en jeu et que sa destinée dépend de cette reine revenue veuve et sans descendants. En Angleterre, la montée récente au trône d’une autre jeune reine, Élisabeth Ire (Margot Robbie), est l'occasion d'une rare rivalité toute féminine au sommet. À travers les deux jeunes femmes culmine le choc entre deux dynasties, les Stuart et les Tudor.
Teinté de géopolitique et de féminisme, le film brille de ses couleurs actuelles : il arrive en salles au moment où le Brexit déchire la Grande-Bretagne. Il y a 450 ans, l’Angleterre protestante cherchait à prendre le contrôle de l’île. Marie Stuart, un temps reine de France en tant qu’épouse de François II, est la dernière figure de l’Écosse catholique et continentale.

Le cinéma n’a jamais été chiche de films sur cette époque – Elizabeth (1998), avec Cate Blanchett, demeure sans doute le titre le plus connu. Le premier long métrage de fiction de Josie Rourke, femme de théâtre, donne lieu à un fascinant duel à distance entre deux femmes de pouvoir qui se distinguent jusque dans leur manière d’affronter la cohorte d’hommes censés les conseiller.
Le récit est mené subtilement et rend bien compte de la complexité de la situation : entre les Stuart et les Tudor, c’est presque blanc bonnet, bonnet blanc. La réalisation s’appuie sur un habile montage qui intercale scènes dans les Highlands et à la cour de Londres. Conçu comme un suspense, le film aboutit à un face-à-face entre les deux protagonistes et la mise en scène de cette rencontre est un délice, tant elle se déroule comme un lent dévoilement à travers un labyrinthe de toiles blanches. Saoirse Ronan et Margot Robbie incarnent leurs rôles avec un bel aplomb et une intensité saisissante.
Le portrait de cette Marie d’Écosse, femme de tête prête à rompre avec les coutumes, a quelque chose de neuf, de profondément original malgré les figures imposées du film historique : le traitement adopté ici, qui se méfie de la romance et ne recule pas devant l'expression de la violence, évite de colorer de rose le pouvoir au féminin.

Peut-être les connaisseurs reprocheront-ils au film de se ranger trop ouvertement du côté de Marie Stuart : sans en faire la belle héroïne sans peur et sans reproche, le récit la montre comme la grande victime d’une machination. Le film s’ouvre et se conclut d’ailleurs par sa décapitation. Avec un dernier geste vestimentaire plein d’audace : l’apparition d’une éclatante robe rouge. (Utopia)

Salernes : vendredi 12 20h30

C’EST ÇA L’AMOUR

Écrit et réalisé par Claire BURGER - France 2018 1h38 - avec Bouli Lanners, Justine Lacroix, Sarah Henochsberg, Antonia Buresi, Cécile Remy Boutang...

C’EST ÇA L’AMOURBouli Lanners, évidemment ! Voilà un film qui colle parfaitement à cet acteur qu’on apprécie particulièrement. Mario est un gars tout en douceur, avec un côté « ours » un peu perdu, un peu maladroit. Pourtant, ce n’est pas la bonne volonté qui lui manque, à ce père que Bouli campe admirablement. Mais la bonne volonté ne fait malheureusement pas tout. Il serait ce qu'on appelle un « papa poule », alors que la mère de ses filles serait plutôt du style « maman coq »… L'expression n'existe pas et pour cause ! La mère, bien évidemment, ne peut pas se passer de sa progéniture, la mère ne peut pas régner sur la basse-cour, prendre du recul, puis son envol en oubliant de couver la chair de sa chair. C’est bien ce que nous apprennent nos livres d’école, non ? Tandis qu’un père, c’est fort, viril, ça n’a pas de doute, ça ne peut pas être hystérique, ça domine forcément toute chose et surtout ses sentiments…
Pour son premier film en solo, l’indocile co-réalisatrice de Party girl bouscule cette fois encore les codes, les interroge finement, en évitant les clichés. Tandis que Mario, fragile, surnage dans un flot de sentiments qui débordent, la mère de ses filles, Armelle, plante là son petit monde, sans un regard en arrière semble-t-il. Mère indigne ? Ou juste une femme indépendante, qui prend les mêmes libertés qu’un homme ? Voilà notre Mario tout paumé… Oh ! Pas sur les tâches matérielles, non. On a dit qu’on n'était pas dans les clichés ! La cuisine, les courses, le ménage… même si certaines corvées ne sont pas sa tasse de thé, il assure, peu ou prou. Non, c'est affectivement que Mario est largué, incapable de vivre seul, de même l’imaginer. La présence d’Armelle lui manque, ses rires, sa manière de voir les choses, de dédramatiser… Son être entier lui manque. Elle est partie. Il aurait pu la regarder des heures faire ses bagages, sans exiger d’explication. Juste en acceptant ses choix, en essayant de la comprendre, de lui dire qu’il allait l’attendre toujours et tout le temps. 

Savoir laisser partir ceux qu’on aime… c'est ça aussi l’amour. Dans les faits, ça ne se passe pas tout à fait comme ça. Mario cherche à combler le vide de l’absence. Il guette impatiemment son retour, il guette Armelle tout court. Il voulait lui laisser le temps, surtout être patient… Il n’y tient plus. Il l’appelle… Une fois, deux fois… lui laisse message sur message, prétextant le mal être des enfants pour essayer de camoufler maladroitement le sien. Il a beau essayer de se distraire, se cultiver, se concentrer sur le quotidien, sur ses filles… Ah là là ! Celles-là sacrées donzelles ! Entre l’une, Niki, à quelques encablures de la majorité, qui semble toute prête à s’envoler du nid (elle aussi ! Non, pas elle !)… et la cadette de 14 ans, Frida, qui se cherche, provoque, se découvre des attirances qu’elle n’est pas bien sûre de savoir assumer, mais surtout des sentiments plus grands qu’elle, tellement difficiles à confier à son géniteur. On se sent tellement incomprise à cet âge, ou on a tellement peur de l’être. La maisonnée est comme une pétaudière prête à exploser alors que Mario discrètement implose. Pourtant ils s’aiment ces trois-là. Et cette mère absente dans le fond également les aime, même si sa manière de le vivre est en train de changer. 

Ce sont parfois les enfants qui finissent par faire grandir les parents. Ce sont parfois ceux à qui on pensait apprendre à nager qui vous apprennent à le faire. Mario n’aura pas le choix. Mais ce qu’il restera de tout ça, malgré les coups de gueule, les instants de crise, c’est une infinie tendresse, une grande complicité. C’est beaucoup ça, l’amour…

Cotignac : jeudi 11 18h30 et 20h30

LE VENT DE LA LIBERTÉ

Michael Bully HERBIG - Allemagne 2018 2h06 VOSTF - avec Friedrich Mücke, Karoline Schuch, David Kross, Alicia von Rittberg, Thomas Kretschmann... Scénario de Kit Hopkins, Thilo Röshceisen et Michael Bully..

LE VENT DE LA LIBERTÉIci l’Histoire (avec le grand H qu’elle mérite) prend des allures de roman d’aventure ! Tout ce à quoi vous allez assister est à peu de choses près la stricte et incroyable vérité ! Nul cinéaste ayant les pieds sur terre ne se serait hasardé à imaginer un scénario aussi dingue sur fond de guerre froide. 
1979. Le bloc de l’Ouest et celui de l’Est s’observent en chiens de faïence, prêts à se sauter à la gorge à la moindre incartade. L’Allemagne, coupée en deux tels les lobes d’un cerveau devenu schizophrène, est au centre de l’attention. C’est non seulement un pays qu’on a divisé, mais des familles entières se trouvent séparées par un mur bâti à la hâte. Tandis que le gouvernement est-allemand le présente comme « le rempart antifasciste », celui de l’Ouest le rebaptise le « mur de la honte ». Durant vingt-huit années, le mur de Berlin remplira son office : empêcher les citoyens de la RDA de fuir en RFA. Du moins globalement, car on sait que nulle frontière, nul péril ne dissuaderont jamais indéfiniment les plus déterminés, ceux qui ont faim ou sont assoiffés de liberté. C’est la sempiternelle loi de la survie humaine qui se joue encore aujourd’hui aux portes de la Méditerranée. Et ce qui était légitime pour un Allemand de l’Est à l’époque ne l’est pas moins pour une Syrienne ou un Érythréen de nos jours… Mais c’est une autre histoire…

Dans leur petite bourgade est-allemande, les deux familles Strelzyk et Wetzel ne rêvent que d’une chose : passer à l’Ouest, tous ensemble évidemment ! Les deux couples, flanqués de leurs jeunes enfants, sont amis depuis si longtemps… Ce n’est pas que leur situation matérielle soit mauvaise, mais ils étouffent dans cette ambiance de délation constante, où chacun épie ses voisins, redoutant en permanence de voir débarquer chez soi l’infernale Stasi… Pour un oui, pour un nom, le moindre pet de travers. Cela semble sans fin et les exigences capricieuses des membres du parti ne cessent de proliférer ainsi que de nouvelles règles qui en découlent, kafkaïennes et délirantes. Alors partir, vite ! Pour retrouver la mère restée de l’autre côté de la frontière, pour éviter un service militaire violent pour le grand fiston, ne plus craindre qu’on lave le cerveau du petit dernier… Chaque couple a ses raisons, toutes aussi bonnes. Donc partir, oui ! Mais partir comment ? Franchir par voie de terre une frontière gardée par des barbelés et des militaires armés jusqu’aux dents : impossible ! Oublions la mer (inexistante ici). On comprend vite qu’il ne reste qu’une seule voie : celle des airs. Et c’est là que va germer dans la tête des deux pères de famille l’idée complètement folle d’un moyen de locomotion hors normes : une montgolfière !

Peter Strelzyk ayant de solides notions de physique et de mathématiques, Günter Wetzel étant un fin couturier, tous deux bricoleurs hors pair, ils vont s’atteler à la périlleuse tâche de fabriquer un ballon de 32 mètres de haut en essayant de ne pas se faire repérer ! Mais rassembler puis assembler en toute discrétion 1245 m2 de tissus de toutes origines ne va pas être une mince affaire. Elle ne l’est d’ailleurs toujours pas à notre époque si l’on en croit l’équipe du film, qui a intégralement reconstitué les montgolfières de l’époque pour les faire voler. À un détail prêt : ils n’ont pas eu sur le dos un fin limier de la Stasi bien déterminé à leur mettre le grappin dessus ! Car la première tentative maladroite de grande évasion va échouer et mettre la puce à l’oreille du redoutable lieutenant Seidel. C’est ainsi que commence une palpitante course contre la montre… (Utopia)

Vox Fréjus : mercredi 10 vo 15h50 et 21h, vf 18h25, jeudi 11 vo 16h15, vf 21h, vendredi 12 vf 13h40, 18h20, vo 21h, samedi 13 vo 13h40, 21h, vf 18h30, dimanche 14 vf 13h40, vo 20h30, lundi 15 vo 13h40, 21h et vf 16h10, mardi 16 vf 13h40, vo 20h45

 

LA LUTTE DES CLASSES

Michel LECLERC - France 2019 1h45 - avec Leïla Bekhti, Edouard Baeri, Ramzy Bedia, Baya Kasmi, Laurent Capelluto, Claudia Tagbo... Scénario de Michel Leclerc et de Baya Kasmi.
 
Après l'excellent Le Nom des gens, qui voyait l'irrésistible Sara Forestier se dévouer corps et âme (au sens propre) à la rééducation des électeurs égarés à droite, Michel Leclerc et sa co-scénariste Baya Kasmi s'affirment avec ce savoureux La Lutte des classes comme les dignes héritiers de la causticité, de la lucidité politique de la grande comédie italienne, celle de Risi ou de Scola…

La Lutte des classes – titre à double détente puisqu'il sera aussi question dans le film de carte scolaire – va nous narrer les élans et les contradictions d'un couple de gentils bourgeois progressistes de l'Est parisien. Sofia est une jeune et brillante avocate « issue de la diversité », comme on dit en novlangue… Elle est en couple avec Paul, musicien paisiblement punk attaché à ses convictions d'il y a trente ans comme à son perfecto, qui cultive avec une forme de génie une absence totale d'ambition sociale ou économique. Il a d'ailleurs pour principale fonction d'être le père de Corentin, activité certes prenante mais qui lui laisse le loisir de donner des concerts improbables devant des migrants dubitatifs…
Sofia et Paul sont à un tournant de leur vie, puisqu'ils ont décidé de déménager de leur petit appartement parisien vers une jolie maisonnette à Bagnolet, ville de banlieue où Sofia a grandi. Ils sont heureux de vivre désormais dans une commune populaire dont l'environnement immédiat et le voisinage, ainsi que l'école Jean Jaurès où va entrer Corentin, nourriront leur idéal de mixité sociale… Tout va donc bien dans le meilleur des mondes jusqu'au jour où un nouvel incident à l'école incite de nombreux parents parmi les plus aisés à sortir leur rejeton du public pour les placer dans un établissement privé. Si bien que, pour appeler un chat un chat, Corentin devient le seul enfant blanc de sa classe. Notre couple se trouve devant un choix cornélien : résister et mettre en application leurs idées à l’épreuve de la réalité ou faire comme leurs amis, choisir la sécurité et la facilité de l’endogamie sociale en inscrivant Corentin dans le privé.

Michel Leclerc et Baya Kasmi – mari et femme à la ville – ont nourri le scénario de leur propre expérience et décortiquent avec une joyeuse lucidité les contradictions et les hypocrisies de leur classe. Il semble bien que, quoi qu'on y fasse, les gens de catégories sociales et raciales différentes vivent côte-à-côte mais pas vraiment ensemble, ne se rencontrant que superficiellement à la sortie de l'école. Leclerc et Kasmi en profitent pour brosser toute une galerie de personnages savoureux : Monsieur Toledano, le Juif totalement parano qui truffe sa maison de systèmes de sécurité (formidable Laurent Capelluto), ou encore l'insupportable militante écolo locale jamais avare en réunions publiques et en grandes leçons sur tout (notamment dans une scène hilarante où elle tente de convaincre du mérite de la biodynamie un couple qui voulait juste avoir accès au jardin partagé)… Et puis il y a l'impayable duo formé par l'institutrice stressée, qui n'ose pas s'exprimer simplement face à ses élèves et préfère user d'une improbable novlangue de bois (hilarante Baya Kasmi elle-même), et le directeur cowboy, qui mène à l'inverse ses élèves comme une bande de quartier, formidablement et drolatiquement incarné par Ramzy Bedia.

Tout en faisant le constat de cette incommunicabilité des classes dans un monde qui voudrait nier la différence au nom d'une pseudo laïcité et d'une égalité toujours affichée mais jamais appliquée, Baya Kasmi et Michel Leclerc ont l'intelligence de ne jamais juger leurs personnages, de les faire exister dans leur complexité et leur richesse, offrant donc à chacun le chemin de la réflexion et de l'ouverture sur l'autre, premier pas vers ce foutu vivre ensemble.  (Utopia)

Vox Fréjus : mercredi 10 13h40, 20h45, jeudi 11 16h15, 21h, vendredi 12 13h40, 17h50, samedi 13 15h45, 18h45, dimanche 14 13h4, 18h30, lundi 15 13h40, 18h45, mardi 16 16h10, 21h

BLANCHE COMME NEIGE

Anne FONTAINE - France 2018 1h52 - avec Lou de Laâge, Isabelle Huppert, Charles Berling, Benoît Poelvoorde, Damien Bonnard, Vincent Macaigne, Jonathan Cohen, Richard Fréchette, Pablo Pauly... Scénario d'Anne Fontaine, Claire Barre et Pascal Bonitzer.

BLANCHE COMME NEIGEIl était une fois le nouveau film d'Anne Fontaine… cinéaste prolixe et en perpétuel mouvement dont on peut ne pas apprécier toutes les tentatives mais à qui, au grand jamais, on ne pourra reprocher de « faire du Anne Fontaine » tant son cinéma se réinvente à chaque fois. Prenant souvent comme matière première la littérature (Perfect mothers s'inspirait d'un roman de Doris Lessing et son récent Marvin ou la belle éducation de celui d'Edouard Louis), ses sujets sont multiples et contrastés et bien malin celle ou celui qui pourrait y pister la trace d'un plus petit dénominateur commun… Le désir, peut-être, si je voulais faire ici la maligne.
Il ne vous aura sans doute pas échappé que le titre de ce nouveau film ressemble à s'y méprendre à celui d'un célèbre conte des frères Grimm où il est question d'un miroir, d'une pomme empoisonnée, d'une belle-mère auto-centrée, d'une jeunette belle comme le jour, sans oublier, il va sans dire, d'un certain nombre de nains. Bien entendu, cette proximité de titre ne doit rien au hasard…

Il était donc une fois… dans une région paisible baignée de soleil, une jeune femme belle et discrète dont la vie s'écoulait un peu tristement depuis le décès de ses parents. Elle travaillait dans un hôtel-spa qui devait avoir de très bons avis sur les sites internet où les gens se sentent obligés de le donner (leur avis) tant le service était soigné, la piscine d'un bleu lagon profond et la maîtresse des lieux tout entière dévouée à maintenir le standing de l'établissement. La taulière en question n'était autre que la belle-mère de Claire, toujours tirée à quatre épingles, de son tailleur rouge sang à son visage diaphane, qui chérissait cette enfant qu'elle considérait comme sa propre fille, enfin c'est ce qu'elle lui disait en caressant la peau de pêche de ses joues faites pour les bisous. Car en coulisses, elle bouillonnait, elle enrageait devant tant de beauté et de jeunesse. Car de son côté, elle avait beau mettre du carmin sur ses lèvres, le temps avait déjà fait son œuvre et rien ne pouvait désormais l'arrêter, à moins que… « miroir, mon beau miroir »…
Variation extrêmement jubilatoire et ludique autour de ce conte fascinant et cruel qui est à lui seul un condensé des rapports humains : convoitise, jalousie, bienveillance, admiration, férocité, haine… Blanche comme neige se voit comme un conte justement, ou ne se voit pas. Il faut se laisser faire, entrer dans la beauté d'une mise en scène léchée comme rarement dans le cinéma français, et se lover au creux d'un récit qui déborde d'humour et d'esprit. C'est comme le plaisir d'un jeu de piste dont on connaît l'issue, mais pas le chemin pour y parvenir.

Il faut enfin parler de Claire (merveilleuse Lou de Laâge) qui incarne, certes, la beauté, la jeunesse, mais surtout – et c'est là que le film se désolidarise magnifiquement du conte – une puissante incarnation de la jouissance au féminin, libre et parfaitement assumée, aussi charnelle que sentimentale et spirituelle. Face à elle, les hommes (vous pouvez les compter, ils sont bien 7) sont hésitants, troublés, démunis, éblouis et redeviennent des petits enfants (des nains, quoi). C'est ainsi que Blanche comme neige est un film résolument et joyeusement féministe, célébrant la puissance infinie du féminin singulier. (Utopia)

Vox Fréjus : mercredi 10 13h40, 18h30, jeudi 11 18h30, vendredi 12 16h10, 18h30, samedi 13 13h40, dimanche 14 16h10, lundi 15 13h40, 21h, mardi 16 13h40, 18h20



TEL AVIV ON FIRE

Sameh ZOABI - Israël 2018 1h40 VOSTF - avec Kais Nashif, Lubna Azabal, Maisa Abd Elhadi, Yaniv Biton... Scénario de Sameh Zoabi et Dan Kleinman.
Si vous ne ratez jamais l'épisode quotidien de votre soap opéra préféré, ce film est évidemment fait pour vous. Si au contraire vous détestez le genre, ne passez pas pour autant à côté de Tel Aviv on fire, comédie alerte qui, en brodant un scénario malin autour d'un improbable feuilleton télévisé, nous livre une vision on ne peut plus pertinente des relations intenables entre Israéliens et Palestiniens. 
 
Nous voici donc en Israël où le célèbre soap opéra arabe Tel Aviv on fire est suivi assidûment dans toutes les chaumières. Ne nous leurrons pas, la plupart des spectateurs sont des spectatrices, pendues à cette intrigue plus que rocambolesque qui narre les aventures d'une espionne palestinienne, amoureuse transie d'un général israélien pendant la Guerre des Six jours, en 1967. 
 
Salam, charmant Palestinien de trente ans quelque peu tête en l'air voire complètement à l'ouest, vit à Jérusalem et travaille comme stagiaire sur le feuilleton produit à Ramallah par son oncle. Pour rejoindre les studios de télévision, il doit chaque jour passer par un check-point israélien pas franchement commode. Un soir, rentrant chez lui avec le scénario du dernier épisode sous le bras, il se fait arrêter par Assi, le commandant du poste, grand fan de la série. Pour tenter de se dépêtrer au plus vite de ce contrôle inopiné, Salam joue la carte de la célébrité, affirmant qu'il est le scénariste principal (alors qu'il n'est que simple conseiller sur les scènes en hébreu) et qu'il doit vite rentrer chez lui peaufiner le script. Mais Assi, dont la femme est encore plus accro que lui à Tel Aviv on fire, ne compte pas en rester là : il saisit le manuscrit, décide de le lui rendre le lendemain matin rempli d'annotations et d'idées de son cru pour transformer la série de l'intérieur et en faire basculer l'intrigue du bon côté, juif plutôt qu'arabe, et soyons honnête, un peu aussi pour faire plaisir à sa femme. Et là vous vous dites : catastrophe…
 
De retour sur le tournage, surprise ! Les idées sont considérées comme géniales et Salam se voit confier, à l'essai, le titre de scénariste en chef de la série ! Ainsi va se créer entre nos deux drôles de compères une relation des plus étonnantes. Ils réécrivent le scénario de chaque épisode au check-point, Assi imposant au passage quelques lubies personnelles : mettre une photo de lui en arrière-plan pour que sa femme puisse le voir dans un des épisodes…
Jusqu'à ce jour funeste où la chaîne de télé annonce la fin prochaine de Tel Aviv on fire… Coincé entre le colonel de Tsahal, les soutiens arabes et les désirs des producteurs, Salam va donc devoir puiser au fond de son génie créateur et abattre son coup de maître final…
Sameh Zoabi n'a pas choisi la facilité en abordant le conflit israélo-palestinien sur un mode comique et pourtant ça fonctionne, grâce à un scénario réglé comme une horloge. La mise en scène joue habilement des codes du soap opéra comme du film à suspense, dessine parfaitement ses personnages et nous laisse pantois quant à la façon dont Salam va se tirer de toute cette affaire. En fait la grande intelligence du film est de ramener le conflit à une échelle humaine. 
Tel Aviv on fire, le feuilleton, joue le rôle d'une caricature, jusqu'au moment où il renvoie tous les personnages à une vérité qu'ils ne voulaient pas forcément voir. Quant à Tel Aviv on fire, le film, il nous rend attachants des êtres incapables de s'entendre mais qui se réunissent et vibrent à l'unisson devant un programme télé niaiseux… Quand dérisoire rime avec espoir…(Utopia)
 
Vox Fréjus : mercredi 10 16h15, jeudi 11 18h50, 21h, vendredi 12 13h40, 15h50, samedi 13 13h40, dimanche 14 13h40, 21h, lundi 15 16h, mardi 16 13h40, 18h45
 

LES OISEAUX DE PASSAGE

(Pajaros de verano) Écrit et réalisé par Ciro GUERRA et Cristina GALLEGO - Colombie 2018 2h05VOSTF - avec José Acosta, Carmiña Martínez, Jhon Narváez, Natalia Reyes... Scénario de Maria Camila Arias, Jacques Toulemonde Vidal et Ciro Guerra.

LES OISEAUX DE PASSAGEDe grandes étendues dignes des plus magistraux westerns, une intrigue d’un noir d’encre, les voiles rouges des femmes qui submergent l’écran par leur beauté radieuse, les chevauchées fantastiques qui rencontrent les rites venus des tréfonds des âges… Les Oiseaux de passage ignore décidément les frontières et vole brillamment d’un genre à l’autre. Peu étonnant de la part de Ciro Guerra, dont on n'a pas oublié L’Étreinte du serpent, vénéneux, hypnotique et profond. Alors que son premier film immortalisait à travers son intrigue une tribu d’Amazonie, son nouvel opus, co-réalisé avec Cristina Gallego, nous plonge dans la culture indigène Wayauu, l’ethnie la plus répandue en Colombie. Si le récit débute par une histoire d’amour digne de la bergère et du petit ramoneur, il bifurquera par la suite vers une histoire d’honneur à laver dans le sang, de gangs et de drogue et restera de bout en bout surprenant. Surprenante, la position des héroïnes dans ce monde de machos l’est déjà. Dans cette société matrilinéaire, non seulement les femmes ont la parole, mais elles font aussi la loi. Elles vont vite s’avérer tout aussi puissantes et voraces que leurs hommes.
Tout démarre par une cérémonie psychédélique dans une tente dressée au beau milieu d’un désert aride et capricieux. Tous les mâles défilent et paradent devant la sublime Zaida et ses danses envoûtantes qui frisent la transe. Elle semble surplomber son monde, drapée dans sa fierté de jeune vierge au regard impénétrable, prête à être mariée et déflorée. Qui sera le vainqueur de cette cour arrogante ? Sans doute le plus riche, le plus offrant, le plus déterminé, celui qui semble sceller son destin d'un catégorique : « Tu seras ma femme ». Un ton qui ne tolère aucune réplique. 
C’est sans compter sur la volonté de la belle ni sur celle d’un prétendant fauché comme les blés, un outsider d’un clan voisin sur lequel nul n’aurait parié : Rafa. Trop pauvre pour payer la dot, le voilà qui se lance dans le trafic de marijuana. À dos d’âne ? C’est tout ce qu’il a. Il s’attelle à sa rude tâche qu’il pense temporaire, juste le temps d’amasser la somme nécessaire pour épouser la jeune femme. Mais rapidement son activité devient florissante et ne reste pas longtemps artisanale. Fini les canassons, vive les 4x4 et les avions ! Ainsi fera-t-il sa fortune, le bonheur de Zaida, devenue sa femme, et celui de leurs deux clans. Happy end ? Ils se marièrent, eurent beaucoup d’enfants et vécurent heureux jusqu’à la fin des temps ? Ce serait une jolie bluette… Mais on se doute que narcotrafiquant est un métier un brin plus risqué que Prince charmant. Leur tranquillité ne durera pas l’éternité. 
L’argent appelle l’argent, l’honneur bafoué, la vengeance. Entre l’avidité des hommes, la folie d’un jeune cousin, chien fou indomptable, l’orgueil d’une terrible belle-mère (formidablement interprétée par Carmina Martinez !), l’ambiance paisible aux fondements anthropologiques se transformera inexorablement en une vendetta aussi sanglante – mais pas plus – qu’une tragédie grecque.

À travers cette intrigue magnifiquement romanesque, c’est un pan d’Histoire méconnu qui est ici mis en lumière, une épopée clanique bien réelle qui débuta pendant la bonanza marimbera (période d’exportation de cannabis aux États-Unis pendant les années 70 et 80), principalement dans le désert de la Guajira. Cette période bien précise forgera le visage de la Colombie moderne. Toute une partie du monde rural enfantera les futurs caïds des cartels à la solde de patrons toujours plus puissants, toujours plus gourmands, toujours plus violents. On comprend dès lors que les scènes les plus délirantes sont tirées d’anecdotes réelles tout aussi cocasses que glaçantes. On sort de ce film durablement impressionné par sa capacité à mélanger les genres, à rester insaisissable, par sa volonté farouche de sortir des sentiers battus et d'ignorer superbement la demi-mesure. (Utopia)

Vox Fréjus : mercredi 10 13h40, 20h45, jeudi 11 15h, 18h25, vendredi 12 15h50, 21h, samedi 13 16h, 21h, dimanche 14 15h50, 20h45, lundi 15 15h50, 18h25, mardi 16 15h45, 18h15

UN COUP DE MAÎTRE
(MI OBRA MAESTRA) Gaston DUPRAT - Argentine 2018 1h41mn VOSTF - avec Guillermo Francella, Luis Brandoni, Raúl Arévalo, Andrea Frigerio... Scénario d'Andres Duprat.
 
 
 
Une savoureuse comédie argentine à l'humour grinçant à souhait, voilà qui fait un bien fou par les temps qui courent ! On est heureux de retrouver dans Un coup de maître la patte de Gaston Duprat, réalisateur avec Mariano Cohn de l'excellent Citoyen d'honneur (disponible en Vidéo en Poche), on retrouve aussi le jeu subtil de Guillermo Francella (El Clan, Dans ses yeux) et on découvre, dans le rôle du peintre bougon, l’incroyable Luis Brandoni, un comédien qui est aussi un homme politique : pour une fois que ce n’est pas l’inverse ! Un sacré bonhomme ! Cible de la Triple A (Alianza Anticommunista Argentina) dans les années 70, il fut enlevé par ce sinistre escadron de la mort mais jamais ne baissa les bras…

Un peu comme Renzo Nervi, le personnage qu’il incarne. « Bougon » ai-je écrit précédemment ? Le mot est faible, le qualificatif est mesquin. Renzo est le nihilisme incarné et c'est pour ça qu'il nous fait rire : parce qu'il est insupportable. Râleur, aigri, désabusé, goujat, vaniteux, capricieux… Qu’oublié-je ? J’hésite entre pingre ou ruiné… mais après tout est-ce incompatible ? Bref, un spécimen qu’on ne mettrait pour rien au monde dans son lit ou dans son carnet d’amis… Pourtant ! Non seulement il a la plus jolie des amantes (aussi fraîche qu’il est défraîchi) mais au plus creux de sa décadence de peintre has been l’accompagne (non sans sourciller) Arturo Silva, son fidèle galeriste. Quels liens invisibles les attachent si profondément l’un à l’autre ? Ceux d’un prédateur des mers et de son poisson pilote ? Ou ceux d’une amitié aussi vache que profonde, mais semble-t-il parvenue au bout du rouleau ? Car enfin, qui supporterait plus longtemps les frasques de Renzo, gloire déchue des années 80, sa suffisance cabocharde, son refus de la moindre concession ? Vieil ours mal léché qui campe sur ses positions tel un chêne prêt à rompre plutôt que de plier, sans se soucier d’entraîner dans sa chute ses plus fidèles alliés, qu’on finit par plaindre tout en ne pouvant s’empêcher de rire. On se pique au jeu, comme hypnotisé par ce petit monde au bord de l’indigestion à force d’avaler des couleuvres, projeté avec eux au cœur d’une pétaudière prête à exploser. Reste à savoir quand et quel sera l’élément déclencheur… 
La belle exaspérée de n’avoir en retour de son amour que des miettes désabusées ? L’allumé aux dreadlocks qui débarque dans l’antre du barbouilleur, prêt à se sacrifier pour devenir « son disciple » ? Le susnommé galeriste Arturo, las d’essayer de caser les toiles décotées du génie tombé en désuétude ? À quoi cela tient-il d’être considéré comme « in », « cool », « à la page » ? Le temps de prononcer ces expressions et les voilà tout aussi démodées que nos coqueluches de la décennie précédente. Transparait la tartufferie des marchands d’art, et leur cynisme quand ils en viennent à se demander s'il ne faut pas qu'un artiste soit mort pour que son œuvre se vende. De là à avoir envie de trucider l’ours pour vendre plus cher sa peau…
La première scène donne le « la » et nous entraîne dans une chute de Charybde en Scylla en même temps que les protagonistes, et chapeau bas si vous devinez jusqu’où cela nous entrainera !
En filigrane, une Argentine émouvante et clinquante qui se drape dans un positivisme désenchanté, à moins que ce ne soit dans un pessimisme optimiste : il faudrait inventer un nouveau mot pour mieux la décrire, entre saudade déchirante et ironie désopilante. Et on laissera le dernier mot à Renzo : « Quand un pays entier pose son cul devant la télé pour regarder 22 millionnaires courir derrière un ballon, c’est sans espoir. »  
(Utopia) 
Vox Fréjus : mercredi 10 18h15, jeudi 11 13h45
 
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